Artista Realista

Michelangelo Buonarroti


Michelangelo, na íntegra Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (nascido em 6 de março de 1475, Caprese, República de Florença [Itália] - faleceu em 18 de fevereiro de 1564, Roma, Estados Papais) Escultor, pintor, arquiteto e poeta italiano da Renascença que exerceu uma influência inigualável no desenvolvimento da arte ocidental. Michelangelo foi considerado o maior artista vivo em sua vida, e desde então ele tem sido considerado um dos maiores artistas de todos os tempos. Tempo. Algumas de suas obras de pintura, escultura e arquitetura estão entre as mais famosas da existência. Embora os afrescos no teto da Capela Sistina🎨 (Vaticano; ver abaixo) são provavelmente os mais conhecidos de seus trabalhos hoje, o artista pensou em si mesmo principalmente como um escultor. Sua prática de várias artes, no entanto, não era incomum em seu tempo, quando todos eram pensados ​​como baseados em design ou desenho. Michelangelo trabalhou em esculturas de mármore durante toda a sua vida e nas outras artes apenas durante certos períodos. A alta consideração pelo teto da Capela Sistina🎨 é, em parte, um reflexo da maior atenção dada à pintura no século XX e, em parte, também, porque muitos dos trabalhos do artista em outras mídias permanecem inacabados.





Um efeito colateral da fama de Michelangelo em sua vida foi que sua carreira foi mais documentada do que a de qualquer artista da época ou anterior. Ele foi o primeiro artista ocidental cuja biografia foi publicada enquanto ele estava vivo - na verdade, havia duas biografias rivais. O primeiro foi o capítulo final da série de vidas de artistas (1550) pelo pintor e arquiteto Giorgio Vasari🎨. Foi o único capítulo sobre um artista vivo e apresentou explicitamente as obras de Michelangelo como a perfeição culminante da arte, superando os esforços de todos aqueles que o antecederam. Apesar de tal encômio, Michelangelo não ficou inteiramente satisfeito e providenciou para que seu assistente Ascanio Condivi escrevesse um breve livro separado (1553); provavelmente com base nos próprios comentários falados do artista, esta conta mostra-lhe como ele queria aparecer.Depois da morte de Michelangelo, Vasari🎨 em uma segunda edição (1568) ofereceu uma refutação. Embora os estudiosos tenham preferido a autoridade de Condivi, a escrita animada de Vasari, a importância de seu livro como um todo e sua reimpressão frequente em muitas línguas tornaram a base mais usual das idéias populares sobre Michelangelo e outros artistas da Renascença🎨. A fama de Michelangelo também levou à preservação de inúmeras lembranças, incluindo centenas de cartas, esboços e poemas, mais uma vez mais do que qualquer contemporâneo. No entanto, apesar do enorme benefício que resultou de tudo isso, em questões controversas, muitas vezes apenas o lado de um argumento de Michelangelo é conhecido.
  • Início da vida e obras
Michelangelo Buonarroti nasceu de uma família que durante várias gerações pertencia a pequena nobreza em Florença, mas que, na época em que o artista nasceu, perdeu seu patrimônio e status. Seu pai tinha apenas empregos ocasionais no governo e, na época do nascimento de Michelangelo, ele era administrador da pequena cidade dependente de Caprese. Alguns meses depois, no entanto, a família retornou à sua residência permanente em Florença. Foi um passo social descendente para se tornar um artista, e Michelangelo se tornou um aprendiz relativamente atrasado, aos 13 anos, talvez depois de superar as objeções de seu pai.
Ele foi aprendiz para o pintor mais proeminente da cidade, Domenico Ghirlandaio, por um período de três anos, mas ele saiu depois de um ano, tendo (Contas de Condivi) nada mais para aprender. Vários desenhos, cópias de figuras de Ghirlandaio e grandes pintores de Florença, Giotto e Masaccio, sobrevivem desta etapa; tal cópia era padrão para os aprendizes, mas poucos exemplos são conhecidos por sobreviver. Obviamente talentoso, ele foi levado sob a asa do governante da cidade, Lorenzo de 'Medici, conhecido como o Magnífico. Lorenzo cercou-se de poetas e intelectuais, e Michelangelo foi incluído.












Mais importante, ele teve acesso à coleção de arte Medici, dominada por fragmentos da antiga estatuária romana. (Lorenzo não era um patrono da arte contemporânea como a lenda o fez; a arte moderna que ele possuía era para enfeitar sua casa ou para fazer declarações políticas). O escultor de bronze Bertoldo di Giovanni, um amigo dos Medici encarregado da coleção, era o mais próximo que ele tinha de um professor de escultura, mas Michelangelo não seguiu seu médium ou, de maneira alguma, sua abordagem. Ainda assim, uma das duas obras de mármore que sobrevivem dos primeiros anos do artista é uma variação da composição de um antigo sarcófago romano, e Bertoldo produziu um semelhante em bronze. Esta composição é a Batalha dos Centauros (c. 1492). A ação e o poder das figuras predizem muito mais os interesses posteriores do artista do que a Madonna das Escadas (c. 1491), um delicado baixo relevo que reflete as modas recentes entre os escultores florentinos como Desiderio da Settignano.
Florença era nessa época considerada o principal centro de arte, produzindo os melhores pintores e escultores da Europa, e a competição entre artistas era estimulante. A cidade era, no entanto, menos capaz do que antes de oferecer grandes encomendas, e artistas de origem florentina, como Leonardo da Vinci e a professora de Leonardo, Andrea del Verrocchio, haviam se mudado para melhores oportunidades em outras cidades. Os Medici foram derrubados em 1494, e mesmo antes do fim da turbulência política, Michelangelo partiu. Em Bolonha, ele foi contratado para suceder um escultor recentemente falecido e esculpir as últimas figuras pequenas necessárias para completar um grande projeto, o túmulo e o santuário de St. Dominic (1494-95). As três figuras de mármore são originais e expressivas. Partindo da agilidade fantasiosa de seu antecessor, ele impôs seriedade às suas imagens por uma compactação de forma que devia muito à Antiguidade Clássica e à tradição florentina de Giotto🎨 em diante. Essa ênfase na seriedade também se reflete em sua escolha do mármore como seu meio, enquanto a simplificação das massas que o acompanha contrasta com a tendência então mais usual de permitir que as representações combinem tão completamente quanto possível a textura e os detalhes dos corpos humanos. Embora sejam qualidades constantes na arte de Michelangelo, elas são temporariamente abandonadas ou modificadas por outros fatores, como as funções específicas das obras ou as criações estimulantes de outros artistas. É o caso da primeira grande estátua sobrevivente de Michelangelo, a Bacchus🎨, produzida em Roma (1496-97) após um breve retorno a Florença. (Um crucifixo de madeira, recentemente descoberto, atribuído por alguns estudiosos a Michelangelo e agora abrigado na Casa Buonarroti em Florença, também foi proposto como o antecedente do Baco no design por aqueles que o creditam como o trabalho do artista.).
Michelangelo | Baco 1496-1497 O Baco® baseia-se nas antigas figuras nus romanas como um ponto de partida, mas é muito mais móvel e mais complexo em linhas gerais. A instabilidade consciente evoca o deus do vinho e Dionísio revela com extraordinário virtuosismo. Feito para um jardim, também é único entre as obras de Michelangelo, exigindo a observação de todos os lados, e não principalmente da frente. O Bacchus levou imediatamente para a comissão (1498) para a Pietà, agora na Basílica de São Pedro. O nome não se refere (como é frequentemente presumido) a este trabalho específico, mas a um tipo comum tradicional de imagem devocional, sendo este trabalho hoje o exemplo mais famoso. Extraído de cenas narrativas da lamentação após a morte de Cristo, o grupo concentrado de dois é projetado para evocar as orações arrependidas do observador pelos pecados que exigiram a morte sacrificial de Cristo. O patrono era um cardeal francês, e o tipo era mais comum no norte da Europa do que na Itália. O problema complexo do projetista era extrair duas figuras de um bloco de mármore, um empreendimento incomum em todos os períodos. Michelangelo tratou o grupo como uma massa densa e compacta como antes, de modo que tem um impacto imponente, mas sublinhou os muitos contrastes presentes - masculino e feminino, vertical e horizontal, vestido e nu, morto e vivo - para esclarecer os dois componentes. A proeminência do artista, estabelecida por este trabalho, foi reforçada imediatamente pela comissão (1501) do David para a catedral de Florença. Para esta enorme estátua, uma comissão excepcionalmente grande naquela cidade, Michelangelo reutilizou um bloco deixado inacabado cerca de 40 anos antes. A modelagem é especialmente próxima das fórmulas da antiguidade clássica, com uma geometria simplificada adequada à grande escala, mas com uma afirmação branda da vida orgânica em sua assimetria. Continuou a servir como a principal declaração do ideal renascentista da humanidade perfeita. Embora a escultura tenha sido originalmente destinada ao contraforte da catedral, a magnificência da obra acabada convenceu os contemporâneos de Michelangelo a instalá-la em um lugar mais proeminente, a ser determinado por uma comissão formada por artistas e cidadãos proeminentes. Eles decidiram que o David seria instalado em frente à entrada do Palazzo dei Priori (agora chamado Palazzo Vecchio) como um símbolo da República Florentina. Do lado que Michelangelo produziu nos mesmos anos (1501-04) várias Madonnas para casas particulares, o grampo do trabalho dos artistas na época. Estes incluem uma pequena estátua, dois relevos circulares que são semelhantes às pinturas, sugerindo níveis variados de profundidade espacial e a única pintura de cavalete do artista. Enquanto a estátua (Madonna e criança) é quadrangular e imóvel, a pintura (familia sagrada) e um dos relevos (Madonna e criança com o infante São João) estão cheios de movimento; eles mostram braços e pernas de figuras entrelaçadas em ações que implicam movimento através do tempo. As formas carregam referências simbólicas à futura morte de Cristo, comuns nas imagens do Cristo Menino da época; eles também revelam o fascínio do artista pela obra de Leonardo. Michelangelo negou regularmente que alguém o tenha influenciado, e suas declarações geralmente são aceitas sem contestação. Mas o retorno de Leonardo a Florença, em 1500, depois de quase 20 anos, foi emocionante para os artistas mais jovens de lá, e os estudiosos do final do século XX geralmente concordaram que Michelangelo estava entre os afetados. As obras de Leonardo foram provavelmente a influência externa mais poderosa e duradoura para modificar seu trabalho, e ele foi capaz de misturar a capacidade desse artista de mostrar processos momentâneos com os seus próprios para mostrar peso e força, sem perder nenhuma das últimas qualidades. As imagens resultantes, de corpos maciços em ação contundente, são aquelas criações especiais que constituem a maior parte de suas obras principais mais admiradas. A Sagrada Família, provavelmente encomendada para o nascimento do primeiro filho de Agnolo e Maddalena Doni, foi uma inovação particularmente inovadora. pintura que mais tarde seria influente no desenvolvimento do antigo maneirismo florentino. Sua composição espiralada e esquema de cores frias e brilhantes sublinham a intensidade escultural das figuras e criam um efeito dinâmico e expressivo. A interpretação iconográfica causou inúmeros debates acadêmicos, que até hoje não foram totalmente resolvidos.
  • Os anos do meio
Após o sucesso do David🎨 em 1504, o trabalho de Michelangelo consistiu quase inteiramente de grandes projetos. Ele se sentia atraído por essas tarefas ambiciosas e, ao mesmo tempo, rejeitava o uso de assistentes, de modo que a maioria desses projetos era impraticável e permanecia inacabada. Em 1504 ele concordou em pintar um afresco enorme para a Sala del Gran Consiglio da prefeitura de Florença para formar um par com outro recém-iniciado por Leonardo da Vinci🎨. Ambos os murais registraram vitórias militares pela cidade (Michelangelo foi a batalha de Cascina), mas cada um também deu testemunho das habilidades especiais dos artistas da cidade. O projeto de Leonardo mostra cavalos galopando, os nus-soldados ativos de Michelangelo param de nadar e saem de um rio para atender um alarme. Ambos os trabalhos sobrevivem apenas em cópias e esboços preparatórios parciais. Em 1505, o artista começou a trabalhar em um conjunto planejado de 12 Apóstolos de mármore para a catedral de Florença, dos quais apenas um, o São Mateus, foi iniciado. Seu movimento extático contorcendo mostra a mistura completa do movimento orgânico fluído de Leonardo com o poder monumental de Michelangelo. Esta é também a primeira obra inacabada de Michelangelo que fascinou os observadores posteriores. Suas figuras parecem sugerir que eles estão lutando para emergir da pedra. Isso implicaria que seu estado incompleto era intencional, mas ele indubitavelmente queria completar todas as estátuas. Ele, no entanto, escreveu um soneto sobre como é difícil para o escultor tirar a figura perfeita do bloco em que ela está potencialmente presente. Assim, mesmo que as obras permanecessem inacabadas apenas devido à falta de tempo e a outros motivos externos, sua condição, no entanto, reflete o intenso sentimento do artista das tensões inerentes ao processo criativo. O apelo de Peap Julius II a Michelangelo para chegar a Roma fim a ambos os projetos florentinos. O papa buscou uma tumba para a qual Michelangelo deveria esculpir 40 grandes estátuas. Túmulos recentes tinham sido cada vez mais grandiosos, incluindo os de dois papas do escultor florentino Antonio Pollaiuolo, dos doges de Veneza, e o então em obras do imperador Maximiliano I. O Papa Júlio tinha uma imaginação ambiciosa, paralela à de Michelangelo, mas por causa de outros projetos, como o novo prédio de São Pedro e suas campanhas militares, ele evidentemente ficou perturbado logo pelo custo. Michelangelo acreditava que Bramante, o igualmente prestigiado arquiteto de São Pedro, havia influenciado o papa a cortar seus recursos. Ele deixou Roma, mas o papa pressionou as autoridades da cidade de Florença a mandá-lo de volta. Ele foi colocado para trabalhar em uma colossal estátua de bronze do papa em sua recém conquistada cidade de Bolonha (que os cidadãos derrubaram logo depois, quando expulsaram o exército papal) e depois sobre o projeto menos caro de pintar o teto da Capela Sistina (1508-1512).Michelangelo | La Cappella Sistina | La Volta / The Ceiling, 1508-1512 - A Capela Sistina🎨 teve grande significado simbólico para o papado como o principal espaço consagrado no Vaticano, usado para grandes cerimônias, como eleger e inaugurar novos papas. Já continha pinturas de parede distintas, e pediram a Michelangelo🎨 que acrescentasse obras para o teto relativamente sem importância. Os Doze Apóstolos foram planejados, pois os tetos-tema normalmente mostravam apenas figuras individuais, não cenas dramáticas. Traços desse projeto são vistos nas 12 grandes figuras que Michelangelo produziu: sete profetas e cinco sibilas, ou profetas do sexo feminino encontradas em mitos clássicos. A inclusão de figuras femininas foi muito incomum, embora não totalmente sem precedentes. Michelangelo colocou essas figuras em torno das bordas do teto e preencheu a parte central da longa superfície curva com nove cenas do Gênesis: três delas descrevendo a Criação do Mundo, três as histórias de Adão e Eva e três as histórias de Noé. . Estes são naturalmente seguidos, abaixo dos profetas e sibilas, por pequenas figuras das 40 gerações dos antepassados ​​de Cristo, começando com Abraão. O vasto projeto foi concluído em menos de quatro anos; houve uma interrupção talvez de um ano em 1510-11, quando nenhum pagamento foi feito. Michelangelo começou pintando as cenas de Noé sobre a porta de entrada e se dirigiu para o altar na direção oposta àquela da seqüência das histórias. As primeiras figuras e cenas naturalmente mostram o artista reutilizando dispositivos de suas obras anteriores, como a Pietà, já que ele estava começando um trabalho tão ambicioso em um meio desconhecido. Estas primeiras figuras são relativamente estáveis ​​e as cenas são relativamente pequenas. Como ele procedeu, ele rapidamente cresceu em confiança. De fato, investigações recentes dos processos técnicos usados ​​mostram que ele trabalhava mais e mais rapidamente, reduzindo e finalmente eliminando tais ajudas preparatórias como desenhos e incisões completos na superfície do gesso. A mesma ousadia crescente aparece nos movimentos livres e complexos das figuras e em sua expressividade complexa. Embora permaneçam sempre imponentes e monumentais, eles estão cada vez mais imbuídos de sugestões de estresse e pesar. Isso pode ser percebido em uma figura como o profeta Ezequiel no meio do caminho. Esta figura combina força e peso colossais com movimento e expressão facial que sugerem determinação para alcançar uma meta que é incerta de sucesso. Tal imagem da inadequação do poder mesmo grande é uma apresentação da humanidade heróica e trágica e é central para o que Michelangelo significa para a posteridade. Perto da cena da criação de Eva mostra-a com Deus e Adão, comprimida dentro de um espaço muito pequeno para a sua grandeza. Essa tensão tem sido interpretada como um sinal de um afastamento da preocupação da Renascença com a harmonia, apontando o caminho para uma geração mais jovem de artistas, como Jacopo da Pontormo🎨, rotulado frequentemente como maneiristas🎨. O trabalho de Michelangelo no teto foi interrompido, talvez logo após a conclusão desses números. Quando ele pintou a segunda metade, ele pareceu repetir a mesma evolução, de estabilidade silenciosa a complexidade e estresse. Assim, ele trabalhou da silenciosamente monumental e harmoniosa cena da criação de Adão até as pressões agudas e distorcidas do profeta Jonas. No entanto, nesta segunda fase, ele mostra maior expressividade interior, dando uma restrição mais meditativa à massa física pura anterior. A complexa e incomum iconografia do teto da Capela Sistina tem sido explicada por alguns estudiosos como uma interpretação neoplatônica da Bíblia, representando as fases essenciais do desenvolvimento espiritual da humanidade vistas através de uma relação muito dramática entre o homem e Deus. Veja também Sidebar: A Restauração da Capela Sistina. Outros projetos Assim que o teto foi terminado, Michelangelo voltou à sua tarefa preferida, o túmulo do Papa Júlio. Por volta de 1513-15, ele esculpiu o Moisés, o que pode ser considerado como a realização na escultura da abordagem das grandes figuras usadas pelos profetas no teto da Capela Sistina. O controle da densidade cúbica na pedra evoca grandes reservas de força; há detalhes de superfície e modelagem mais ricos do que antes, com projeções salientes drasticamente reduzidas. As texturas superficiais também têm mais variedade do que as primeiras esculturas, o artista já tendo descoberto como enriquecer os detalhes sem sacrificar a massividade. Mais ou menos na mesma data há duas esculturas de prisioneiros ou escravos encadernados, que também fazem parte do projeto do túmulo, mas que nunca utilizaram para isso, já que em um projeto revisado subseqüente eles estavam na escala errada. Michelangelo os manteve até a velhice, quando os deu a uma família que o ajudou durante uma doença; eles estão agora no Louvre. Aqui novamente ele percebeu, em pedra, tipos pintados em muitas variantes no teto, como os pares de nus que seguram coroas sobre os tronos dos profetas. A complexidade de suas posturas, expressivas de forte sentimento, foi inédita na monumental escultura de mármore do Renascimento. As únicas obras anteriores dessa natureza foram do período helenístico da Antiguidade Clássica, bem conhecido por Michelangelo através da descoberta do grupo Laocoon em 1506. O velho homem e seus dois filhos adolescentes formando esse grupo certamente estimularam as três estátuas de Michelangelo também como as figuras relacionadas no teto. No entanto, os primeiros números do teto em 1508 não foram tão afetados; Michelangelo utilizou as reviravoltas e complicações helenísticas somente quando estava pronto para elas, e ele estava se movendo nessa direção mesmo antes do Laocoonte ser encontrado, como é evidente no caso de São Mateus de 1505. A morte de Julius II em 1513 cortou fora a maioria dos fundos para o seu túmulo. O papa Leão X, seu sucessor, filho de Lorenzo, o Magnífico, conheceu Michelangelo desde a infância. Ele empregou principalmente Michelangelo em Florença em projetos ligados à glória da família Medici e não do papado. A cidade estava sob o domínio do primo de Leo, o cardeal Giulio de 'Medici, que seria o papa Clemente VII de 1523 a 1534, e Michelangelo trabalhou com ele de perto em ambos os reinados. O cardeal interessou-se ativamente pelos trabalhos de Michelangelo. Ele fez sugestões detalhadas, mas também deu ao artista muito espaço para decisão. Michelangelo estava se mudando para o projeto arquitetônico com um pequeno projeto de remodelação na mansão Medici e um grande em sua igreja paroquial, San Lorenzo. O projeto maior nunca se materializou, mas Michelangelo e o cardeal se saíram melhor com um esforço relacionado mais modesto, a nova capela ligada à mesma igreja por túmulos da família Médici.
  • A capela dos Medici
A ocasião imediata para a capela foi a morte dos dois jovens herdeiros da família (chamado Giuliano e Lorenzo depois de seus antepassados) em 1516 e 1519. Michelangelo deu a sua principal atenção até 1527 ao interior de mármore desta capela, tanto ao desenho da parede original quanto às figuras esculpidas nas tumbas; os últimos são uma extensão na forma orgânica das formas dinâmicas dos detalhes da parede. O resultado é a apresentação mais completa das intenções de Michelangelo. Janelas, cornijas e afins têm proporções e espessuras estranhas, sugerindo uma revisão irracional e intencional das formas clássicas tradicionais em prédios.Envolvendo essas superfícies ativas, os dois túmulos nas paredes opostas da sala também são muito originais, começando com seus topos curvos. . Uma figura masculina e uma feminina se sentam em cada uma dessas bases curvas; estas são personificações de, em uma tumba, Dia e Noite, de acordo com a declaração do próprio artista, e, por outro lado, Dawn e Dusk, de acordo com os primeiros relatos. Tais tipos nunca apareceram em túmulos antes, e eles se referem novamente para Michelangelo, para o movimento inevitável do tempo, que é circular e leva à morte. As figuras estão entre as criações mais famosas e realizadas do artista. O Dia e o Crepúsculo imensamente maciços são relativamente tranquilos em sua grandeza montanhosa, embora Day talvez implique um fogo interior. Ambas as figuras femininas têm as proporções altas e esguias e os pequenos pés considerados belos na época, mas, por outro lado, formam um contraste: Dawn, uma figura virginal, sobe ao longo de sua curva como se tentasse emergir na vida; A noite está adormecida, mas em uma postura que sugere sonhos estressantes. Essas quatro figuras são naturalmente percebidas mais imediatamente do que as efígies dos dois Medici enterrados ali, colocadas mais e mais em nichos de parede. Essas efígies, mais usuais na execução, também formam um contraste; eles são tradicionalmente descritos como ativos e pensativos, respectivamente. Apresentados como tipos-padrão de jovens soldados, eles eram percebidos imediatamente não como retratos, mas como seres superiores idealizados, tanto por causa de sua posição elevada quanto por serem almas além da morte. Ambos se voltam para o mesmo lado da sala. Tem sido naturalmente pensado que eles se concentram na Madonna, que Michelangelo esculpiu e que está no centro desta parede lateral, entre dois santos. As cabeças das duas efígies, no entanto, são viradas em diferentes graus, e seu foco comum é em um canto da capela, na porta de entrada da igreja. Nesta terceira parede com a Madonna, o tratamento arquitetônico nunca foi executado.
  • A Biblioteca Laurentiana e fortificações
Durante os mesmos anos, Michelangelo projetou outro anexo para essa igreja, a Biblioteca Laurentina, obrigada a receber os livros legados pelo papa Leão; Era tradicional em Florença e em outros lugares que as bibliotecas fossem abrigadas em conventos. O projeto para este foi restringido pelos edifícios existentes, e foi construído em cima de estruturas antigas. Uma pequena área disponível no segundo andar era usada como um saguão de entrada e contém uma escada que levava à maior sala da biblioteca em um novo terceiro andar. A escadaria, conhecida como o ricetto, contém os designs de parede mais famosos e originais de Michelangelo. O rearranjo arrojado e livre de componentes tradicionais de construção vai ainda mais longe, por exemplo, para colocar colunas embutidas atrás de um plano de parede, e não na frente, como é habitual. Isso fez com que o trabalho fosse frequentemente citado como a primeira e principal instância do Maneirismo🎨 como um estilo arquitetônico, quando é definido como um trabalho que intencionalmente contradiz o Clássico e o Harmonioso, favorecendo a expressividade e a originalidade, ou como aquele que enfatiza os fatores de estilo por si mesmos. Em contraste, a longa sala da biblioteca é muito mais contida, com fileiras tradicionais de mesas nitidamente relacionadas ao ritmo das janelas e pequenos detalhes decorativos no chão e no teto. Ele lembra que Michelangelo não era invariavelmente pesado e ousado, mas modificava sua abordagem em relação ao caso particular, aqui para um efeito mais calmo e tranquilo. Por essa mesma razão, a sala da biblioteca tem sido menos notada no estudo de seu trabalho. Na extremidade oposta da longa sala, do outro lado da escadaria, outra porta levava a um espaço destinado a guardar os tesouros mais raros da biblioteca. Era para ser uma sala triangular, um clímax da abordagem de corredor longo, mas esta parte nunca foi executada no plano do artista. O saque de Roma em 1527 viu o papa Clemente ignominiosamente em fuga, e Florença se revoltou contra os Medici, restaurando a república tradicional. Foi em breve sitiada e derrotada, e a regra Medici foi permanentemente reinstalada, em 1530. Durante o cerco, Michelangelo foi o criador das fortificações. Ele mostrou compreensão das modernas estruturas defensivas construídas rapidamente de materiais simples em perfis complexos que ofereciam mínima vulnerabilidade a atacantes e resistência máxima a canhões e outras artilharias. Esta nova arma, que entrou em uso em meados do século XIV, dera maior poder à ofensa na guerra. Assim, em vez dos altos castelos que serviram bem para propósitos defensivos na Idade Média, massas mais baixas e mais espessas eram mais práticas. Os pontos de projeção, que também auxiliaram o contra-ataque, foram muitas vezes de tamanhos irregulares em adaptação a locais montanhosos específicos. Os desenhos de Michelangelo, com execução rápida e animada refletindo esse novo padrão flexível, têm sido muito admirados, muitas vezes em termos de forma pura.
  • Outros projetos e redação
Quando os Medici retornaram em 1530, Michelangelo voltou a trabalhar em seus túmulos familiares. Seu compromisso político provavelmente era mais para sua cidade do que para qualquer forma governamental específica. Dois projetos separados de estátuas desta data são o Apolo ou Davi (sua identidade é problemática), usado como presente para uma figura política recém-poderosa, e a Victory, uma figura atropelando um inimigo derrotado, um homem velho. Provavelmente era para o túmulo do papa Júlio, que nunca foi esquecido, porque o tema estava presente nos planos daquele túmulo. Victor e perdedor ambos têm poses intensamente complicadas; o perdedor parece empacotado em um bloco, o vitorioso, como o Apolo, forma uma espiral ágil. O grupo Victory tornou-se um modelo favorito para os escultores mais jovens do grupo maneirista🎨, que aplicou a fórmula a muitos temas alegóricos.Em 1534, Michelangelo deixou Florença pela última vez, embora sempre esperasse voltar para terminar os projetos que deixara incompletos. Ele passou o resto de sua vida em Roma, trabalhando em projetos em alguns casos igualmente grandiosos, mas na maioria dos casos de tipos bem novos. A partir de então, grande parte de suas cartas para sua família em Florença foram preservadas; muitos deles se concentraram em planos para o casamento do sobrinho, essenciais para preservar o nome da família. O pai de Michelangelo morreu em 1531 e seu irmão favorito mais ou menos na mesma época; ele mesmo mostrou uma ansiedade crescente sobre sua idade e morte. Foi exatamente nessa época que o artista de quase 60 anos escreveu cartas expressando fortes sentimentos de apego aos rapazes, principalmente ao talentoso aristocrata Tommaso Cavalieri, mais tarde ativo em assuntos cívicos romanos. Estes foram naturalmente interpretados como indicações de que Michelangelo era homossexual, mas essa interpretação parece implausível quando se considera que nenhuma indicação similar surgiu quando o artista era mais jovem. A correlação dessas cartas com outros eventos parece coerente, em vez da visão de que ele estava procurando um filho substituto, escolhendo para o propósito um homem mais jovem que era admirável em todos os sentidos e acolheria bem o papel. A poesia de Michelangelo também é preservada em quantidade disso. Tempo. Aparentemente, ele começou a escrever poemas curtos de maneira comum entre os não-profissionais da época, como um tipo elegante de carta, mas desenvolvido de uma maneira mais original e expressiva. Entre cerca de 300 poemas preservados, não incluindo fragmentos de uma linha ou duas, existem cerca de 75 sonetos acabados e cerca de 95 madrigais acabados, poemas com aproximadamente o mesmo comprimento que os sonetos, mas com uma estrutura formal mais solta. Nos países de língua inglesa, as pessoas tendem a falar de "Os sonetos de Michelangelo", como se todos os seus poemas estivessem escritos dessa forma, em parte porque os sonetos circulavam amplamente em traduções inglesas do período vitoriano e em parte porque o madrigal não conhece a poesia inglesa. (Não é o tipo de música bem conhecida na música elisabetana, mas um poema com esquema de rima irregular, comprimento de linha e número de linhas.No entanto, o fato de que Michelangelo deixou um grande número de sonetos, mas apenas poucos madrigais inacabados sugere que ele preferiu a última forma. Aqueles escritos até 1545 têm temas baseados na tradição dos poemas de amor de Petrarca e uma filosofia baseada no neoplatonismo que Michelangelo havia absorvido quando menino na corte de Lorenzo, o Magnífico. Eles dão expressão ao tema de que o amor ajuda os seres humanos em seu difícil esforço de ascender ao divino.Michelangelo | Giudízio Universale (1535-1541) 🎨Em 1534 Michelangelo retornou depois de um quarto de século a pintura de afrescos, executando para o novo papa, Paulo III, o enorme Juízo Final para a parede final da Capela Sistina. Este tema tinha sido um favorecido

Assista o vídeo: Michelangelo - ITA Documentário (Dezembro 2019).

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